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Mechanismo, música elegante y emocional

Mechanismo

Mechanismo, elegantes melodías y ambientes envolventes

Mechanismo acaban de publicar su álbum debut y están recibiendo muy buenas críticas por parte del público y de los medios de comunicación. Han contado con el gran productor Manuel Cabezalí que ha sacado el mejor sonido de esta banda. Hemos querido conocerles un poco más y estamos convencidos de que van a dar mucho de qué hablar. Si pasan por tu ciudad no puedes perder la oportunidad de verlos en directo.

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Mechanismo lleváis como banda seis años, y aunque ya habéis publicado un Ep y dos singles, aún no habíais sacado un larga duración, y lo hacéis ahora con The Forlorn Hope. ¿Era algo que teníais pendiente?
Sin duda. Con un EP hay que demostrar potencial y apuntar maneras, pero ya con el LP creo que es importante decir algo más contundente. También es un formato que te brinda un lienzo amplio para demostrar distintos registros, texturas, incluso conceptos en cuanto a cómo se relacionan los temas entre sí.

En The Forlorn Hope, por ejemplo, hay muchos temas que se fusionan, y también hay un par de reprises al más puro estilo Beatle-McCartniano. Esto solo se puede hacer con un disco, y teníamos ganas de demostrar un poco de lo que somos capaces.

Sabemos que el mundo de la música es complicado, y que os ha llevado bastante tiempo hacer The Forlorn Hope. ¿Qué es lo que ha hecho que el proceso se alargara tanto en el tiempo?
Varios factores. La primera, cambios en el grupo. Fundé Mechanismo junto con Mervyn McManus, pero en 2013 él decidió echarse a andar por otro camino, arrancando su propio proyecto. Entre tanto, hemos tenido que renovar y consolidar un grupo estable, y eso casi siempre lleva un tiempo.

La otra razón es más básica. Hacer un disco no es barato, y al auto-financiar la grabación al 100%, las sesiones de estudio las convocábamos cuando había presupuesto. No es la forma más eficaz -ni barata- de hacer un disco, pero también nos permitió incorporar a productores y varios colaboradores distintos en cada tanda, lo cual le ha dado más variedad al disco.

Ha sido un proceso lleno de retos pero también con muchísimos momentos maravillosos, y creo que esas luces y sombras forman parte del espíritu del disco.

Mechanismo Habladnos de este disco ¿qué contenido musical vamos a encontrarnos? ¿Qué nos cuentan las canciones de este álbum?
Reseñando el EP, un crítico describió el sonido del grupo como “melancolía luminosa”, y creo que es acertado. Musicalmente, nos gusta jugar entre nubes y claros. Pero independientemente de las distintas tesituras, buscamos hacer música elegante y que los temas provoquen una reacción emocional en el oyente.

Creo que los temas tratan cosas bastante humanas como es la pérdida, superación, el amor, desamor, aprendizaje, cosas que destruimos, como re-construimos… Nacen de sitios muy personales pero creo que finalmente tienen un anclaje universal.

Tanto Mechanismo como Manuel Cabezalí y Charlie Bautista sois los que os habéis encargado de la producción de este trabajo. ¿Cómo ha sido la relación entre vosotros durante todo el proceso? ¿Hay alguna parte del proyecto de la que os sintáis más orgullosos?
Tenía curiosidad de ver cómo sonarían los temas nuevos a través de un filtro totalmente distinto, y que nos sacaran de nuestra zona de confort de cómo solemos producir habitualmente. Más que nada para darle más texturas y atmósferas distintas al disco. Hacerlo más variado.

Conocía las producciones de Manuel y Charlie a través de sus trabajos con Pasajero o Jero Romero, por ejemplo. Esos fueron dos discos que me gustaron mucho y podía apreciar la ‘artesanía’ en cuanto a sonidos y producción.

Soy de los que me gusta llevar las maquetas muy producidas al estudio, lo cual tiene sus ventajas y desventajas. Con Charlie y Manuel dejé esa puerta más entreabierta, y fuimos descubriendo cosas interesantes por el camino. Tienen formas de trabajar algo distintas entre ellos, pero igualmente interesantes. La experiencia fue tremendamente enriquecedora. Aprendí mucho.

A pesar de haberlos escuchado mil veces durante su creación, hay ciertos momentos en temas como “Better”, “Afterglow” o “Any Way” que todavía me emocionan. No sé si es orgullo o es la sensación, pero creo que allí lo hicimos bien.

Muchas bandas sólo se plantean sacar Eps y dependiendo de cómo funcione, grabar un Lp o no. ¿Qué opináis al respecto? ¿Cómo soléis trabajar vosotros?
Es una buena pregunta porque creo que, tristemente, el concepto del LP está desapareciendo. Lo de sentarse y escuchar un disco entero ahora es bastante inusual porque tenemos el lujo de poner cualquier tema que se nos ocurra en cuestión de instantes.

La ventaja de un EP es que el proceso es más rápido y puedes partir lo que sería un disco en dos tandas. De todas formas, creo que eso un poco como aquellos directores que hacen cortometrajes ad infinitum… Algún día tienes que mojarte e ir a por el largometraje.

De cara al futuro, creo que apostaremos por seguir sacando LPs. Quizás algún single entremedias… Ya veremos. Soy de los que me gusta llevar las maquetas muy producidas al estudio, lo cual tiene sus ventajas y desventajas.

Imaginamos que el siguiente paso es presentar este disco por todas partes ¿no? ¿Podemos hablar de una gira de presentación? ¿Cuáles son los planes de Mechanismo es estos momentos?
Eso es. Queremos llevar The Forlorn Hope al máximo número de escenarios que podamos. Creo que el disco tiene varios matices, detalles, y hacemos hincapié en transmitir todo eso en el directo.

El sábado 25 de junio tocamos en el festival Polifonik Sound en Barbastero, y andamos cerrando unos cuantos festivales más. Actualmente estamos tanteando fechas para hacer una gira en otoño por distintas partes de España e incluso Portugal. Stay tuned!

Gracias por responder a nuestras preguntas. Esperamos poder veros en directo muy pronto, y os deseamos mucho éxito con este gran trabajo. Os seguiremos muy de cerca!
Un placer y gracias a vosotros. Siempre es un privilegio poder hablar de tu proyecto. Esperamos veros a todos en un concierto pronto. Cheers!

Los integrantes de Mechanismos son: Sebastian Maharg (voz/bajo), Antonio Ruiz (voz/guitarra), Alberto Torres (teclados/guitarra) y David “McPa” Parrilla (batería).

Encontraréis más info sobre esta fantástica banda en: http://www.mechanismo.es/

 

Ciudad Líquida, transmitiendo Frecuencias Fantasma

Ciudad Líquida

Ciudad Líquida, un sonido más maduro en Frecuencias Fastasma

Después de cuatro años Ciudad Líquida está presentando su cuarto disco! El jueves 21 de Julio a las 19:30 hs en el Cine Teatro 6 de Agosto en La Paz es el lanzamiento oficial de su muy esperado trabajo, Frecuencias Fantasma.

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¿Cómo describen su reciente trabajo? ¿Qué nos espera en Frecuencias Fantasma?
Una de las cosas más importantes que hicimos para este último disco es lanzarlo como una aplicación para celular de descarga gratuita. Hemos querido entregarle a la gente un material que nos emociona, ya que es el mejor trabajo de Ciudad Líquida hasta ahora, y a pesar del cliché es cierto, porque esta vez tuvimos la oportunidad de acceder a mejores cosas a la hora de grabar, mezclar y masterizar.

 Ciudad Líquida tenemos claro que nos falta mucho por crecer, y hasta que no grabemos en Abbey Road o en un estudio como ése, producidos por Nigel Godrich o alguien como él, no será suficiente. Hemos trabajado las canciones entre los 4 integrantes desde abril del 2015, y además ha participado Mayo Ávila, especialmente en la etapa de post producción, poniendo todo su talento en él.

Frecuencias Fantasma tiene 10 canciones que reflejan un sonido no sabemos si maduro, pero sí más concreto, más definido, moviéndose dentro de los parámetros que quedaron cimentados en el disco homónimo, pero llevándolos hasta donde se nos ocurría, y todo en otra afinación que no es la estándar. Algunas de estas composiciones tienen mucho tiempo, como el caso de “Amor Dual”, que parece que esperó el momento perfecto para salir, ya que intentamos hacerla con otros integrantes en otra época y no se pudo. Otras son una exploración de sonidos y ritmos, como el caso de “Nómada”, que tiene una onda entre bossa y trip hop, además de poder incluir un arreglo para cuarteto de cuerdas de la capísima Patricia Bedregal, que le da un ambiente muy diferente a todo lo que hemos hecho antes.

También retomamos el uso extendido de sintetizadores (Álvaro Cuevas) y elementos propios de la música electrónica para generar otro tipo de atmósferas, hasta el punto en que existen canciones que no tienen guitarra o ésta no ocupa el lugar que generalmente tiene en Ciudad Líquida.

En Frecuencias Fantasma hay canciones que tienen bastante fuerza, otras tienen bastante melancolía, también hay canciones de onda onírica. Daniel y César han aportado al sonido dándole más groove, insertando una base rítmica de origen más funkera, sobre todo por parte de César. Es un nuevo viaje en el que esperamos haber ido más lejos que en el primer disco, ya que en el segundo y tercero no hicimos este tipo de exploración.

Ciudad Líquida¿Había una transición desde los discos anteriores de Ciudad Líquida?
Es como si Ciudad Líquida hubiésemos dado un salto cuántico desde el primer disco hasta el Frecuencias Fantasma, que a la vez se siente un poco como un retorno, porque en El Gran Jardín (2012) quisimos alejarnos totalmente del sonido que teníamos (fuimos unos renegados).

Fue un experimento útil ya que en el proceso de alejarnos descubrimos quiénes somos, y con el single “Más Que Inocencia” (2014) confirmamos el sonido de lo que sabemos hacer mejor (que es esa mezcla de atmósferas a ratos new wave, o canciones simples con guitarras y bajos con tintes indie), lo que marcó una pauta, dándonos la dirección para este nuevo disco, y eso se puede apreciar más en canciones como “Ahogo”, y una de nuestras favoritas, “El viejo show”.

¿En que se inspiraron para elegir el título?
Frecuencias Fantasma viene de una reflexión que tuvimos sobre las canciones que lo conforman. A pesar de que hay canciones de distintas épocas, surgió en todas ellas el factor común del fantasma, entendido como una presencia añorada y/o que atormenta, ausente y a la vez presente.

Es ese lugar, persona o situación que no puedes olvidar, que sigue a tu lado aunque no de forma física, y ejerciendo una influencia positiva o negativa en tu vida. Las frecuencias son parte de las ondas que se transmiten de manera invisible al ojo humano, las frecuencias fantasma, específicamente, son aquellas transmisiones que no sabemos de dónde vinieron ni deberían estar ahí, como aquellas que a veces aparecen en ciertos receptores y uno puede pensar que vienen de inteligencias extraterrestres.

¿Qué es lo principal que quieren transmitir con sus canciones?
Con nuestras canciones Ciudad Líquida buscamos decir que venimos en son de paz… Fuera de bromas, creemos que todo lo que realmente importa, que tiene un valor y puede permanecer o trascender es intangible e invisible (sin citar al Principito), si no la música no tendría ningún sentido, y nuestro disco no podría identificar ni gustarle a nadie. Porque la música es una experiencia, y son las experiencias de cada persona lo que la forman y la llevan a tomar decisiones en su vida y, finalmente, la vida es una suma de decisiones entre otras cosas, y todos tenemos una banda sonora en ella.

Ciudad Líquida¿Cómo fue el proceso de grabación y producción? Tengo entendido que tienen un nuevo productor
Una de las cosas distintas para este disco fue que pudimos contar con más fondos para iniciar el proceso. Y luego nos hicimos los valientes, y decidimos seguir invirtiendo para ir mejorando el producto, aunque ahora estemos endeudados. Con el single “Más que inocencia” conocimos el trabajo de Álvaro Gaviota, que además de ser el líder de Rantés, tiene el estudio El Hombre Alado.

Una de las cosas que nos gustó mucho de su trabajo fue el sonido que conseguimos en la batería, también los equipos del estudio de muy buena calidad y la persona que él es, dedicado y detallista, con sugerencias muy pertinentes que también han sido parte del satisfactorio resultado del disco. Mayo Ávila comenzó a trabajar con nosotros cuando estábamos en la etapa de maquetear una y otra vez las canciones, guiándonos en cuanto a la interpretación.

Es la primera vez que Ciudad Líquida trabajamos con alguien de esta forma en todo un disco, a pesar de que hemos estado cerca de trabajar con un productor musical antes. Ha sido muy grato abrirnos al oído de otro, y ser capaces de recibir una idea y decidir qué hacer con ella. No fue difícil tampoco, ya que el Mayo es muy abierto y tiene un gran sentido del humor.

El trabajo con el Mayo ha sido un proceso realmente enriquecedor, especialmente en la etapa de la mezcla del disco, y es definitivo a la hora de hablar de que el Frecuencias Fantasma es nuestra mejor producción. Y para rematar, hemos podido especializar aún más el proceso en Lado B, un estudio dedicado sólo a la masterización a cargo de Marcelo Navía, un gran profesional que busca que todo lo que sale de su estudio tenga un alto estándar de calidad.

También contamos con la grata y excelente participación de la pianista y arreglista Patricia Bedregal, quien hizo los arreglos para el cuarteto de cuerdas en “Amor Dual” y “Nómada”, haciendo realidad el tan anhelado deseo de grabar cuerdas reales, ya que antes sólo pudimos contar con cuerdas sampleadas (como por ejemplo en el corte “Cada Día Más”), y esta vez pudimos contratar músicos de sesión, bajo la dirección de Patricia en los ensayos y grabación, lo que no fue fácil dada la afinación que usamos en la banda. Trabajar con Patricia fue muy emocionante, ya que ella pudo interpretar muy bien lo que nosotros buscábamos.

Hablando del formato del disco y la aplicación, el diseño de ambas fue de Álvaro Cuevas (guitarrista), y el programador de la app fue Enrique Oropeza, a quien buscamos apenas Daniel Prieto (bajista) llegó con la idea de sacar el disco como aplicación para celular, y sabíamos que Enrique se dedica a eso y es muy capo en el tema. El concepto gráfico del disco se basó en una idea de César Lugones (baterista), que simbolizó una parte de nuestra obsesión con el universo y sus otros habitantes.

¿Cuál será el primer sencillo que van a presentar del álbum?
El primer corte y video de nuestro nuevo disco se llama “Siento Ansiedad”, que será dirigido nuevamente por nuestra querida Karim Patón (Los días se consumen, El polvo de tus ojos, Más que Inocencia), y será presentado junto al disco. Esta canción tiene bastante fuerza y es más alegre, a pesar de que la letra tiene un toque de desesperación.

La idea de sacar una aplicación me parece genial, realmente algo muy novedoso. ¿Cuándo y dónde estará disponible?
Antes de la presentación del disco estará disponible la aplicación gratuita para celular del Frecuencias Fantasma a través de nuestra página, y de las tiendas virtuales de Google y Apple.

La presentación oficial del disco es el jueves 21 de Julio a las 19:30 hs, en el Cine Teatro 6 de Agosto, y, además de ofrecer los temas nuevos y los cortes de las anteriores producciones, tendremos un gran show con invitados de gran nivel.

También estarán disponibles los discos que se pueden comprar junto a las entradas de preventa con un precio especial que está anunciado en el evento en nuestra página de Facebook. Esperamos que muchas personas asistan porque será una gran, y realmente especial, noche.

Muchas Gracias, Susan, por tu tiempo y esta súper entrevista, y al equipo de LaCarne Magazine Bolivia por el apoyo.
Muchas gracias a ustedes por la entrevista y por su excelente música!

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Principales diferencias entre viola y violín

Violin ViolaViola y violín son cruciales en una orquesta. Sus orígenes se remontan a los de la música orquestal en sí. Están considerados como los primeros instrumentos de cuerda creados. Han sido parte importante de la composición de la música con quintetos de cuerda y han sido los instrumentos favoritos de Sebastian Bach.

Por otro lado, el violín llegó un poco tarde. Primero, se volvieron populares durante el barroco, a finales del siglo XVI. Hoy en día, el violín todavía ejerce una mayor influencia en los diferentes géneros musicales modernos, pop moderno, jazz e incluso indie.

Estos dos instrumentos musicales comparte un gran numero de similitudes, pero también son muy diferentes el uno del otro. Por ejemplo, ambos tienen sus orígenes en Italia y en ambos se requiere un arco. Sin embargo, aquí es en donde el paralelismo termina. Mira cuáles son las diferencias entre viola y violín:

Tamaño de viola y violín
El violín es considerablemente más pequeño y tiene un arco más largo. La viola no tiene un tamaño estándar pero es definitivamente más grande que el violín. También tiene cuerdas más anchas y pesadas.

Sonido
El violín usa normalmente la clave aguda mientras que en la viola se suele tocar en clave Do. Esto sólo puede significar que la viola tiene un sonido más profundo y delicado comparado al sonido agudo del violín. Cuando los miembros de una orquesta afinan su instrumento, el violín es afinado un quinto por encima del sonido de la viola. De hecho, el violín es capaz de llegar a las notas más altas de una orquesta.

Formas de tocar
También es grande la diferencia entre las técnicas de estos dos instrumentos. Principalmente por el hecho de que el violín es más pequeño que la viola.

Los violinistas tocan sus instrumentos dejando descansar el violín al lado izquierdo de su mandíbula, lo que sirve para descansar la mandíbula a la vez que ayuda al hombro izquierdo del violinista. Después, utiliza su mano izquierda para presionar las cuerdas mientras usa la mano derecha para tocar con el arco las cuerdas.

La diferencia entre ambos puede ser menor para aquellos que no estén familiarizados con los instrumentos musicales, sin embargo, estas son las diferencias que definen tanto a la viola como al violín.

RaroNeat’s, creando su propio espacio

RaroNeat's

En el año 2014 una banda, RaroNeat’s, lanzaba su primer álbum, con todas las expectativas que en 4 años de existencia se podían hacer. Con las 11 canciones que conformaron su primer disco, titulado Pasiva Ansiedad, estas criaturas procedentes de la ciudad de Cochabamba, Bolivia, daban un primer grito a dos voces para dejar en claro que estaban vivos.

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RaroNeat’s se forma como un proceso natural, en la época del colegio para divertirse mucho tocando covers de bandas punks, con integrantes que ya no permanecen, salvo por el fundador del proyecto Mario Morató Toranzos, quien, además de tocar la guitarra al revés, también hace las letras de los temas. En la otra guitarra encontramos al recién integrado Michel Castro Espinoza, en el bajo a Kevin Sánchez Linares, y a Fabrizio Eróstegui Losantos en la batería.

Pero cuando decidieron que la música era algo serio en sus vidas, allá por el 2011, la banda tenía a Carolina Maldonado Solís como vocalista, con quien concibieron su sonido en los comienzos, compartiendo con Mario, bastante equitativamente, el frente del escenario y la voz principal en los temas del disco. Ella también escribe una de las letras, la canción número 4 de esta primera producción llamada “Cambios”.

Por esta razón fue un golpe bastante fuerte para el grupo verla partir. Habían definido el sonido vocal como un dúo y no se imaginaban a la banda sin una chica cantando en ella. Además de eso, se suma también la retirada de otro miembro y gran amigo, quien fuera el primer guitarrista de la agrupación, Marcelo Muriel Zelada, que se mantuvo hasta un tiempo después de la grabación del “Pasiva Ansiedad” para dedicarse a otros proyectos musicales.

Intentando por 3 meses encontrar un reemplazo para Carolina, la banda se da por vencida y decide dejar de perder el tiempo y asumir lo que quedaba: la necesidad de seguir haciendo música a cómo de lugar.

Mario asumió el rol del que se escabullía un poco… delante de la banda y enfrente del público, para cantar sus propias letras y exponer por sí mismo las situaciones de su vida, canalizando experiencias que han producido diferentes cambios, expresando deseos quizá reprimidos, revelando los primeros pasos de un camino de autoconocimiento, inspirado, como muchos, por todo y por nada, sin sustraerse a la influencia literaria de quien admira demasiado: el psicomago A. Jodorowsky.

RaroNeat’sEl sonido de RaroNeat’s parte con influencias de la década de los noventa (como Foo Fighters por ejemplo para Fabricio), algo de pop, rock clásico británico, entre otras vertientes y de bandas Indies por sobre todo, asimilando siempre lo nuevo que uno y otro integrante de la banda lleva y trae. Cabe destacar la gran admiración de Kevin por el maravilloso Paul McCartney, y la inexorable huella de los chilenos Los Bunkers en las guitarras de Mario. De esta manera se entiende que estamos ante un proceso de construcción que aún tiene mucho por delante y que poco a poco coloca sus cimientos.

Las mejores presentaciones en vivo, opina Fabrizio, son aquellas donde la gente y amigos cantan, saltan y bailan con la banda. Esto les quita el mal sabor del sonido deficiente que muchas veces se aguanta en los locales de música en vivo, que por ignorancia, falta de interés o recursos, no invierten en equipos y sistemas de mayor calidad para los grupos, que cada fin de semana aportan con covers o composiciones que, como en el caso de RaroNeat’s, ya cuenta con cuatro videos del primer disco.

Algunos de ellos son: “Ni gloria, ni victoria”, con una letra crítica e instigadora; o “Más Allá”, tercer sencillo del álbum debut, una balada existencialista que dice: “Buscando la claridad en lo oscuro, no intento… sólo procuro, encontrar la paz, más allá de los muros”, compuesta mientras se miran partir los aviones, tal vez, en los frondosos alrededores del aeropuerto de Cochabamba.

Hay que tener cuidado con éste cuarteto que ya prepara un EP para el presente año, porque lo que no reciban… lo irán a buscar por ellos mismos. Por ejemplo, Sonido Activo, que es un festival organizado por ellos y autofinanciado por las bandas participantes, que al no conseguir un lugar en los grandes eventos donde priman agrupaciones consagradas, deciden crear su propio espacio desde el pasado 2015,  “¿Por qué no?”, dice Mario con tranquilidad, quien no se imagina la vida sin su proyecto. Esperemos que así sea. Larga vida a RaroNeat’s.

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