Todas las entradas de: Susan

Hace unos tres años dedico mucho de mi tiempo libre a la fotografía, más que todo de presentaciones de artistas locales de diferentes géneros musicales, algunos ya bien conocidos y con mucha trayectoria y otros muy jóvenes con proyectos recientes e innovadores.

Luis Daniel Iturralde y el Teatro Nuna de La Paz

Nuna

Ritmo, Alma y Vida – Entrevista a Luis Daniel Iturralde

Esta vez tengo el agrado de poder entrevistar a Luis Daniel Iturralde, músico percusionista y alma del Teatro Nuna Espacio Arte en La Paz. El Nuna ya se ha vuelto un espacio de suma importancia para el ámbito cultural de la ciudad, muy querido y respetado por su público y artistas de todo tipo.

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Pero empezamos con Luis Daniel, el músico.

En varias ocasiones pude verte con tus grupos Bloco Runatiña, La Burkina e Illapa Reggae Roots o como percusionista/baterista invitado. ¿Cómo fue tu trayectoria como músico hasta ahora?
¡Muchas gracias por la invitación querida Susan!
Bueno, yo empecé a explorar la batería desde los 14 años, y posteriormente descubrí el inmenso mundo de la percusión cuando tenia 20 años. Desde que empecé con la música este elemento tan esencial a marcado el rumbo de mi vida de una manera muy positiva y creativa. A los 19 me fui a estudiar a Montreal, Canadá, y ahí viví durante 11 años hasta volver a Bolivia nuevamente en el 2013.

La música -más aún cuando estas fuera de tu país- se convierte en tu identidad, en tu forma de conocer a otras culturas desde adentro, y en un imán que atrae a la gente que está en la misma búsqueda. Es a través de mis deseos de música que fui parte de noches de jam (improvisación) con gente de diferentes culturas (árabes, europeos, africanos, asiáticos, latinos, etc…), gente joven e idealista como yo que cree en una aldea global, donde todos conviven a pesar de las diferencias y, contrariamente a lo que predica la xenofobia, se enriquecen los unos a los otros con la maravillosa diversidad.

Tremendos jams en los que estuve, y el fruto de esos jams fue que formé un grupo de rock árabe con amigos Jordanos, Zenit; una banda de rock progresivo con devotos Hare Krishna, Tattva; un ensamble de Latin Jazz con amigos latinos y europeos, Ecos de Portoalegre, con quienes tocamos en el Festival de Jazz de Montreal frente a miles de personas; La Kontraband de Martín Arias (hijo de Gerardo Arias de Savia Andina) con quien compartimos muchos shows de folkrock en Montreal; y finalmente fui alumno, y luego de algunos años director, de la escuela Zuruba de percusión afrobrasileña y fusión, con ellos tuve el gusto de viajar a festivales de percusión en Sapporo (Japón), Rabat (Marruecos), y por muchos lugares de Canadá.

Desde que volví a Bolivia he tenido el gusto de tocar con La Burkina, Illapa Reggae, Gustavo Orihuela Quartet, Aeroplan y crear el Bloco Runatiña y la escuela Runatiña de Percusión, además de ser invitado de muchas otras bandas.

Nuna¿Cuál es tu principal actividad musical por el momento? ¿Hay fechas para presentaciones o estás trabajando o pensando en alguna grabación?
Actualmente estoy grabando con la Burkina, con Illapa Reggae y, como siempre, tocando y dando clases en el Bloco Runatiña.

El disco de La Burkina –el primero que graban conmigo pero el tercero de la banda- es un disco bien rockero y experimental, y la fecha de presentación será en noviembre en el NUNA. Algo que aprecio de Sebastián Zuleta –guitarrista, compositor y reconocido músico de la escena de música contemporánea boliviana- es su gran interés por complicarnos la vida a mí y a Vic Carpio (el tremendo bajista de La Burkina). Realmente no se le escapa un detalle, y es así que uno aprende a poner los beats y breaks en el lugar exacto y no dejar ni un detalle suelto. Es muy divertido trabajar con ellos, la verdad que nos gusta complicarnos la existencia a todos y qué mejor que hacerlo con rock mutante.

En Illapa Reggae soy el baterista y productor de la banda. Es un proyecto sumamente interesante, divertido, rico (en el sentido musical y espiritual) y con muchísimo potencial. Diego Gómez –el motor musical de la banda- es un tremendo compositor joven, gran cantante y guitarrista.

Él trae las compos al estudio, y entre todos montamos las canciones. Los otros músicos que grabaron en el disco son Peque Gutiérrez en el bajo, Óscar Kellemberger en los teclados, Mauricio Murillo en el saxo alto y barítono, Rene Hamel en los vientos andinos, Bernardo Rozo en las percusiones, y Alejandro Bejarano en la segunda guitarra, todos grandes figuras de la escena musical boliviana. La fecha de presentación de este trabajo será el 1ero de octubre de este año en el Nuna. Les recomiendo mucho a todos que vayan y compren el disco, es un reggae muy roots con elementos bien africanos en la rítmica y vientos andinos muy sutiles, que se mezclan muy bien con el resto de la música y le dan una identidad andina contemporánea.

Finalmente dirijo el Bloco Runatiña, mi proyecto de percusión, algo que siempre tuve en mente hacer en Bolivia mientras tocaba con Zuruba en Canadá y en otras partes del mundo. Zuruba y claro Martín Bonin, el director –mi gurú- dejaron mucho en mi, realmente descubrí el poder de la percusión, la necesidad de precisión y actitud, el concepto de tribu que se crea en un grupo de percusión, y el trabajo que hay que hacer para llegar a un buen nivel musical. Bloco Runatiña (del Quechua Humano Tambor) trajo eso a Bolivia desde los inicios el 2013.

La música -más aún cuando estas fuera de tu país- se convierte en tu identidad, en tu forma de conocer a otras culturas desde adentro, y en un imán que atrae a la gente que está en la misma búsqueda.

¿Cuándo y cómo nació la idea para el Nuna?
La idea del Nuna nació el 2013 y fue pura sincronicidad (en términos de C. G. Jung). Por un lado mi hermana, junto a su compañía de danza Gaviota, alquilaron el lugar para ensayar, y con la ayuda de mi padre hicieron remodelaciones, dejando un gran escenario, un espacio para espectadores y una cabina de control.

Por otro lado, en una de mis ultimas clases de postgrado en emprendimientos en la universidad de McGill en Canadá, yo realicé un plan de negocios sobre un “café teatro”, pues tenía muchas ganas de montar algo así en Montreal, ya que siempre estaba tocando en espacios de esas características, pero bueno, me di cuenta que la inversión para hacer algo así allá era demasiado alta y al mismo tiempo había bastante competencia, por estas razones no realicé el proyecto y decidí volver a Bolivia sin planes específicos.

Cuando volví me encontré justamente con este lugar todavía en construcción en plena calle 21, lo vi y me dije a mi mismo, esto no es una sala de ensayos ¡es un teatro! Luego tuvimos reuniones con la gente de Gaviota, quienes no estaban muy seguros de continuar como compañía, y para quienes el alquiler de ese lugar era demasiado caro como para usarlo de sala de ensayos.

Finalmente los convencí de que yo me haría cargo del lugar invirtiendo en equipos de luces y sonido, y de esa forma haría un café teatro que sea auto-sostenible. Al mismo tiempo, Truddy Murillo –integrante de Gaviota y directora de la escuela de danza Mandala- continuaría con su escuela de danza en el mismo espacio colaborando a la sostenibilidad del lugar.  Así nacio el Nuna.

Nuna ¿Cuál fue el mayor reto para sacar adelante al teatro?
Hubo varios retos, primero el de realizar permisos con la alcaldía. No existe una categoría de centro cultural, solo existen permisos para bares, restaurantes o salones de evento, y con la política “Calacoto seguro” de la alcaldía ya no se emiten permisos a no ser que el lugar sea transferido con un permiso previo a esta ley. Por suerte, después de varias reuniones me otorgaron una mezcla de permisos que nos permiten funcionar en el marco de las leyes municipales.

Otro reto fue el de llegar a cubrir el alquiler. Al principio yo trabajaba como coordinador de RRHH en el grupo empresarial Kantutani, y la mayoría de las veces se me iba la mayoría de mi sueldo en cubrir todo el alquiler pues no teníamos tantos espectáculos.

Al mismo tiempo tuvimos que cobrar muy poco para que los artistas se animen a actuar en nuestro teatro y prácticamente auspiciábamos festivales internacionales para que nos tomen en cuenta (fitaz, festijazz, danzenica). Pero de esa forma nos integramos muy rápidamente al circuito cultural de las artes escénicas, y creo que los artistas se dieron cuenta de que el servicio que prestábamos era de muy buena calidad.

Y bueno, siguen habiendo muchos desafíos pues cada espectáculo es muy diferente y tiene sus propias complicaciones, tenemos muchas historias al respecto, pero como es bien sabido en el rubro the show must go on.

¿Cuál es la filosofía detrás del Teatro Nuna y de dónde salió el nombre?
La filosofía de nuestro espacio es la de dar la oportunidad a artistas profesionales y emergentes de presentar sus creaciones con la mayor comodidad y calidad posible, y al mismo tiempo tratar de que ganen un buen salario por su trabajo cambiando la percepción de los espectadores sobre lo que consideran un precio justo a pagar por un espectáculo de calidad.

También nos preocupa la comodidad del publico, tanto dentro del espacio como para adquirir entradas e informarse sobre nuestras presentaciones, pues obviamente ellos son el motor que impulsa cada proyecto artístico.

El nombre se lo puso Truddy Murillo, y significa Alma en Quechua. Me parece un nombre corto, fácil de retener y con un muy buen significado ya que todos los artistas vierten parte de su alma en nuestro escenario.

¿Tienes nuevos proyectos o planes para el futuro del Espacio Cultural?
Queremos seguir creciendo en calidad, en cantidad de shows y eventualmente en espacio físico. Pero todo esto va junto al crecimiento del publico que se genera a través del movimiento constante de buenas presentaciones.

NunaCada vez hay mayor aceptación de presentaciones musicales realizadas en teatros, y no siempre en boliches llenos de humo y bulla. ¿Cómo ves este desarrollo y los posibles efectos sobre la escena musical y cultural local?
Creo que siempre es bueno variar de ambientes, y tanto los teatros como los boliches tienen su encanto. En el teatro uno se siente más escuchado y creo que el trabajo artístico es mas apreciado, pero los boliches también tienen su atractivo porque hay mas libertad de armar la fiesta.

Con respecto al humo, yo personalmente me acostumbré a no fumar dentro de los boliches en Canadá, y por eso puse esa regla dentro del teatro, y bueno creo que es inevitable que se establezca una ley antitabaco porque la gente no tiene por qué sufrir por los vicios de terceros. Y los fumadores pueden siempre salir a fumar tranquilos, es cuestión de civismo. La mayoría de los países vecinos aplica esta ley, seguro no tarda en llegar a Bolivia.

Y aquí va una de las preguntas que estamos haciendo a muchos músicos para esta edición especial de las fiestas patrias: ¿Qué crees que falta en el panorama musical y cultural boliviano?
Bueno, creo que en nuestro país hay mucho talento y muchas propuestas originales, sin embargo nos falta más material para exportación, es decir mayor producción de la parte de los artistas –aunque cada vez va mejorando-. Al mismo tiempo creo que carecemos de integración hacia el resto del continente y del globo por la ausencia de participación de nuestro gobierno en programas como ibermusica o iberescena, que impulsan a los artistas fuera del país.

Para todos los interesados y curiosos tenemos aquí los links para que puedan ver la programación del Teatro Nuna Espacio Arte y encontrar mayor información de las bandas y proyectos de Luis Daniel Iturralde:

Facebook:
Illapa Reggae
Bloco Runatiña Arte Percusivo
Teatro Nuna Espacio Arte

Páginas Web:
www.laburkina.com
www.teatronuna.com

Ciudad Líquida, transmitiendo Frecuencias Fantasma

Ciudad Líquida

Ciudad Líquida, un sonido más maduro en Frecuencias Fastasma

Después de cuatro años Ciudad Líquida está presentando su cuarto disco! El jueves 21 de Julio a las 19:30 hs en el Cine Teatro 6 de Agosto en La Paz es el lanzamiento oficial de su muy esperado trabajo, Frecuencias Fantasma.

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¿Cómo describen su reciente trabajo? ¿Qué nos espera en Frecuencias Fantasma?
Una de las cosas más importantes que hicimos para este último disco es lanzarlo como una aplicación para celular de descarga gratuita. Hemos querido entregarle a la gente un material que nos emociona, ya que es el mejor trabajo de Ciudad Líquida hasta ahora, y a pesar del cliché es cierto, porque esta vez tuvimos la oportunidad de acceder a mejores cosas a la hora de grabar, mezclar y masterizar.

 Ciudad Líquida tenemos claro que nos falta mucho por crecer, y hasta que no grabemos en Abbey Road o en un estudio como ése, producidos por Nigel Godrich o alguien como él, no será suficiente. Hemos trabajado las canciones entre los 4 integrantes desde abril del 2015, y además ha participado Mayo Ávila, especialmente en la etapa de post producción, poniendo todo su talento en él.

Frecuencias Fantasma tiene 10 canciones que reflejan un sonido no sabemos si maduro, pero sí más concreto, más definido, moviéndose dentro de los parámetros que quedaron cimentados en el disco homónimo, pero llevándolos hasta donde se nos ocurría, y todo en otra afinación que no es la estándar. Algunas de estas composiciones tienen mucho tiempo, como el caso de “Amor Dual”, que parece que esperó el momento perfecto para salir, ya que intentamos hacerla con otros integrantes en otra época y no se pudo. Otras son una exploración de sonidos y ritmos, como el caso de “Nómada”, que tiene una onda entre bossa y trip hop, además de poder incluir un arreglo para cuarteto de cuerdas de la capísima Patricia Bedregal, que le da un ambiente muy diferente a todo lo que hemos hecho antes.

También retomamos el uso extendido de sintetizadores (Álvaro Cuevas) y elementos propios de la música electrónica para generar otro tipo de atmósferas, hasta el punto en que existen canciones que no tienen guitarra o ésta no ocupa el lugar que generalmente tiene en Ciudad Líquida.

En Frecuencias Fantasma hay canciones que tienen bastante fuerza, otras tienen bastante melancolía, también hay canciones de onda onírica. Daniel y César han aportado al sonido dándole más groove, insertando una base rítmica de origen más funkera, sobre todo por parte de César. Es un nuevo viaje en el que esperamos haber ido más lejos que en el primer disco, ya que en el segundo y tercero no hicimos este tipo de exploración.

Ciudad Líquida¿Había una transición desde los discos anteriores de Ciudad Líquida?
Es como si Ciudad Líquida hubiésemos dado un salto cuántico desde el primer disco hasta el Frecuencias Fantasma, que a la vez se siente un poco como un retorno, porque en El Gran Jardín (2012) quisimos alejarnos totalmente del sonido que teníamos (fuimos unos renegados).

Fue un experimento útil ya que en el proceso de alejarnos descubrimos quiénes somos, y con el single “Más Que Inocencia” (2014) confirmamos el sonido de lo que sabemos hacer mejor (que es esa mezcla de atmósferas a ratos new wave, o canciones simples con guitarras y bajos con tintes indie), lo que marcó una pauta, dándonos la dirección para este nuevo disco, y eso se puede apreciar más en canciones como “Ahogo”, y una de nuestras favoritas, “El viejo show”.

¿En que se inspiraron para elegir el título?
Frecuencias Fantasma viene de una reflexión que tuvimos sobre las canciones que lo conforman. A pesar de que hay canciones de distintas épocas, surgió en todas ellas el factor común del fantasma, entendido como una presencia añorada y/o que atormenta, ausente y a la vez presente.

Es ese lugar, persona o situación que no puedes olvidar, que sigue a tu lado aunque no de forma física, y ejerciendo una influencia positiva o negativa en tu vida. Las frecuencias son parte de las ondas que se transmiten de manera invisible al ojo humano, las frecuencias fantasma, específicamente, son aquellas transmisiones que no sabemos de dónde vinieron ni deberían estar ahí, como aquellas que a veces aparecen en ciertos receptores y uno puede pensar que vienen de inteligencias extraterrestres.

¿Qué es lo principal que quieren transmitir con sus canciones?
Con nuestras canciones Ciudad Líquida buscamos decir que venimos en son de paz… Fuera de bromas, creemos que todo lo que realmente importa, que tiene un valor y puede permanecer o trascender es intangible e invisible (sin citar al Principito), si no la música no tendría ningún sentido, y nuestro disco no podría identificar ni gustarle a nadie. Porque la música es una experiencia, y son las experiencias de cada persona lo que la forman y la llevan a tomar decisiones en su vida y, finalmente, la vida es una suma de decisiones entre otras cosas, y todos tenemos una banda sonora en ella.

Ciudad Líquida¿Cómo fue el proceso de grabación y producción? Tengo entendido que tienen un nuevo productor
Una de las cosas distintas para este disco fue que pudimos contar con más fondos para iniciar el proceso. Y luego nos hicimos los valientes, y decidimos seguir invirtiendo para ir mejorando el producto, aunque ahora estemos endeudados. Con el single “Más que inocencia” conocimos el trabajo de Álvaro Gaviota, que además de ser el líder de Rantés, tiene el estudio El Hombre Alado.

Una de las cosas que nos gustó mucho de su trabajo fue el sonido que conseguimos en la batería, también los equipos del estudio de muy buena calidad y la persona que él es, dedicado y detallista, con sugerencias muy pertinentes que también han sido parte del satisfactorio resultado del disco. Mayo Ávila comenzó a trabajar con nosotros cuando estábamos en la etapa de maquetear una y otra vez las canciones, guiándonos en cuanto a la interpretación.

Es la primera vez que Ciudad Líquida trabajamos con alguien de esta forma en todo un disco, a pesar de que hemos estado cerca de trabajar con un productor musical antes. Ha sido muy grato abrirnos al oído de otro, y ser capaces de recibir una idea y decidir qué hacer con ella. No fue difícil tampoco, ya que el Mayo es muy abierto y tiene un gran sentido del humor.

El trabajo con el Mayo ha sido un proceso realmente enriquecedor, especialmente en la etapa de la mezcla del disco, y es definitivo a la hora de hablar de que el Frecuencias Fantasma es nuestra mejor producción. Y para rematar, hemos podido especializar aún más el proceso en Lado B, un estudio dedicado sólo a la masterización a cargo de Marcelo Navía, un gran profesional que busca que todo lo que sale de su estudio tenga un alto estándar de calidad.

También contamos con la grata y excelente participación de la pianista y arreglista Patricia Bedregal, quien hizo los arreglos para el cuarteto de cuerdas en “Amor Dual” y “Nómada”, haciendo realidad el tan anhelado deseo de grabar cuerdas reales, ya que antes sólo pudimos contar con cuerdas sampleadas (como por ejemplo en el corte “Cada Día Más”), y esta vez pudimos contratar músicos de sesión, bajo la dirección de Patricia en los ensayos y grabación, lo que no fue fácil dada la afinación que usamos en la banda. Trabajar con Patricia fue muy emocionante, ya que ella pudo interpretar muy bien lo que nosotros buscábamos.

Hablando del formato del disco y la aplicación, el diseño de ambas fue de Álvaro Cuevas (guitarrista), y el programador de la app fue Enrique Oropeza, a quien buscamos apenas Daniel Prieto (bajista) llegó con la idea de sacar el disco como aplicación para celular, y sabíamos que Enrique se dedica a eso y es muy capo en el tema. El concepto gráfico del disco se basó en una idea de César Lugones (baterista), que simbolizó una parte de nuestra obsesión con el universo y sus otros habitantes.

¿Cuál será el primer sencillo que van a presentar del álbum?
El primer corte y video de nuestro nuevo disco se llama “Siento Ansiedad”, que será dirigido nuevamente por nuestra querida Karim Patón (Los días se consumen, El polvo de tus ojos, Más que Inocencia), y será presentado junto al disco. Esta canción tiene bastante fuerza y es más alegre, a pesar de que la letra tiene un toque de desesperación.

La idea de sacar una aplicación me parece genial, realmente algo muy novedoso. ¿Cuándo y dónde estará disponible?
Antes de la presentación del disco estará disponible la aplicación gratuita para celular del Frecuencias Fantasma a través de nuestra página, y de las tiendas virtuales de Google y Apple.

La presentación oficial del disco es el jueves 21 de Julio a las 19:30 hs, en el Cine Teatro 6 de Agosto, y, además de ofrecer los temas nuevos y los cortes de las anteriores producciones, tendremos un gran show con invitados de gran nivel.

También estarán disponibles los discos que se pueden comprar junto a las entradas de preventa con un precio especial que está anunciado en el evento en nuestra página de Facebook. Esperamos que muchas personas asistan porque será una gran, y realmente especial, noche.

Muchas Gracias, Susan, por tu tiempo y esta súper entrevista, y al equipo de LaCarne Magazine Bolivia por el apoyo.
Muchas gracias a ustedes por la entrevista y por su excelente música!

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Electroshock, rock con corazón

Electroshock

ELECTROSHOCK. Entrevista a MARCO MACIEL Y DANIEL SUBIRANA

Electroshock está presentando su nuevo video “No Sé”, y está a punto de lanzar un DVD. Tuve  la oportunidad de entrevistar a Marco Maciel (voz y bajo) y a Daniel Subirana (batería). Os dejo todo lo que estuvimos hablando.

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Ahora mismo Electroshock estáis promocionando vuestor nuevo single, “No Sé”. Contadnos algo sobre el tema Marco.
Bueno, la canción tiene una melodía compuesta por el Motete (Esteban Motete Zamora, guitarra). Me pasó la música y yo empecé a escribir sobre eso. El estribillo ya estaba hecho, y sobre eso escribí el resto de la canción, como haciendo la trágica y tratando de hacer algo melancólico también. La canción dice “No sé cuánto vales” y habla de un desamor, sobre una de esas chicas malas que nos rompen el corazón.

Daniel: Una chica que no se decide, y al final quieres valorar si vale la pena, y eso es el “no sé cuánto vales”.

Marco: Como que juega con uno. Pero no lo decimos tan a lo Maná (repitiendo todo el tiempo “mariposa traicionera”, etc.). Nosotros lo decimos de otra forma. Por ejemplo, en la parte que dice “cuando dejas ver dónde está tu diversión, imagino una puta sin corazón”, pusimos “fruta sin corazón”, porque si no lo cambiábamos nos podía dar problemas de censura, y nos dimos cuenta que el tema pegaba bastante entre los niños. Por ejemplo, al hijito de Daniel le gusta mucho. Siempre es bueno no salirse de los límites, y mejor si la canción es indirecta. Por ahí puede gustar, por el lado musical, aunque uno no entienda mucho la letra.

Daniel: Cada uno ya le da su sentido y se identifica con algo que no tiene nada que ver con lo que hemos pensado. Pero se identifican y les gusta. Bueno, en tocadas en boliches sí decimos la palabrota…

Marco: Sí, a la gente le gusta cantar así despechada, botar sus sentimientos en las tocadas en vivo, y tampoco hay niños…

Me enteré que están sacando un DVD…
Marco: Sí, es un concierto que grabamos el año pasado en el teatro de la Casa de la Cultura en Tarija. Decidimos hacer dos funciones e invitar al Grillo y al Matamba para que sean parte de eso, siendo referentes del reggae y del rock de acá. A fines de mayo ya debería salir el DVD con el título En La Casa.

Daniel: Eso con la intención de fomentar la movida en Tarija, porque en teatros de allá solo se ven obras de teatro o grupos folclóricos. Electroshock somos el primer grupo de rock que trata de romper un poco eso, y lo logramos. Y con ese plus de que vino Grillo Villegas, quien desde sus tiempos en Loukass solamente tocó 4 veces en Tarija, y solo dos a nivel concierto con su banda. Y aprovechamos el hecho que tenemos un tema con Matamba (”Postales”). Y la verdad, en Tarija nunca lo presentamos en vivo con Matamba, entonces fue algo para que nuestro público local pudiera tener esa experiencia.

Electroshock Están Electroshock trabajando en otro disco?
Marco: Por el momento no, estamos esperando que caiga del cielo un auspicio grande para poder grabar un próximo disco, aunque sea el año que viene. No, es una broma en realidad, pero sí tiene mucho que ver lo económico, porque grabar un disco es muy caro.

Les parece que la industria musical en Bolivia es profesional?
Marco: Hay muy pocos que lo hacen de manera profesional.

Daniel: Sin embargo, no es fácil sacar un producto afuera, ya que no todos cumplen con los estándares de calidad internacional.

Marco: Creo que por el momento Aviónica es la única banda de rock que hace un trabajo a este nivel internacional. De bandas folclóricas o de cumbias no conozco mucho, los estándares se mueven. Sé que hay muchas bandas que se mueven a nivel internacional, pero hablando de bandas de rock, Aviónica suena del carajo, produce afuera y con productores de otro nivel.

Daniel: Eso te deja que aquí en Bolivia no hay. De hecho, para el siguiente disco estamos buscando ir afuera, pero también es mucho más caro, pero ya tienes la ventaja de poder competir con otros productos, y tener más oportunidades a nivel internacional.

“Una banda nacional no tiene la plata para poder tener un grupo de gente que ayude en eso, y los músicos tienen que moverse por su cuenta.”

Marco: Sí, pero es muy caro para lo que Electroshock queremos hacer. Bueno, puedes grabar un disco por 1000 Bolivianos en tu casa, pero no es lo mismo.

Sin pensar mucho en querer vender en el exterior, hasta en el mercado local resulta difícil vender discos. Ni siquiera es fácil conseguir los discos de bandas locales y en muchos casos terminas contactando con la banda directamente para comprar algo.

Daniel: Sí, nosotros mandamos mucho por correo.

Marco: No hay quien se encargue de eso. Una banda nacional no tiene la plata para poder tener un grupo de gente que ayude en eso, y los músicos tienen que moverse por su cuenta. Y no todos los músicos tienen la vocación o el tacto para gestionar eso. Nos cuesta mucho entrar en distintos lugares, conseguir tocadas, hablar con ministerios o gobernaciones, movernos para ver quién puede vender el disco o hacer trámites.

Daniel: Hay una empresa sin fines de lucro en Cochabamba que quiere que progrese el rock nacional, que se llama “Ahí Va”. Recién es muy nuevo, pero ellos juntan discos de todo lo que puedan y puedes contactarte con ellos, y te envían los discos a cualquier parte de Bolivia. https://www.facebook.com/ahivabolivia/

Si pudiesen cambiar algo para mejorar la situación para los músicos aquí, ¿qué harían?
Daniel: Tengo una idea. Yo pienso que podríamos funcionar más como una institución, o de repente enfocarnos en los músicos de rock entre todos los géneros, gamas y colores, y hacer conciertos grandes a nivel Stadium o Teatro al Aire Libre.

Al principio financiados por el Ministerio de Culturas, y que los colegios tengan un día cuando tengan que ir, como a veces les llevan a alguna exposición o evento. Con la entrada tendrán su disco, y con las entradas también entrarían fondos para las bandas y la institución que lo organiza y financia. Y si tienes alguna producción nueva que  puedas presentar en uno de esos festivales, ya tendrás bastantes discos pre-vendidos. Con eso ya habría una base económica. Estarían tocando las bandas, estarían ganando algo y vendiendo discos. Si lograras que entren unos 30 a 40 mil personas, se resolvería la pobreza de los músicos y podrán seguir produciendo.

Nos pasa por ejemplo que hemos pedido ayuda al Ministerio de Culturas para el anterior disco, y obviamente cuesta y tarda vender los discos, pero ya para el siguiente disco digamos ya tienes mayor cancha, mayor llegada, pero te dicen “ya les hemos ayudado, y ya no”. Entonces te dejan con todo lo que has cosechado a que se pudra porque no hay forma de seguir.

Para poder sacar el DVD de Electroshock nos hemos prestado dinero, y el resto hemos juntado con nuestras tocadas. Un 60 o 70% de nuestros ingresos entraron al DVD sin saber si después va a funcionar el tema de la venta.

Marco: No es nada fácil sacar material como ese. Por ahí la gente está curiosa en saber cómo es la cuestión, y estaría bien hablar de números para que sepan más o menos. Esto nos ha costado  a Electroshock  3.500,- $, dinero que no teníamos. Nos pedimos prestado 1.500,- $ de mi hermana, y a partir de esa plata pudimos arrancar. Hay que pagar a los editores de video y sonido, la fabricación de los discos, los gastos de la pre-producción, luces, espacio, sonido, logística – bueno, con ganas se puede, pero es complicado.

Las entrevistas suelen ser repetitivas. ¿Hay alguna cosa que quisieran que se les pregunte?
Marco: Creo que ya lo preguntaste… que hace falta? Aquí en Bolivia hace falta apoyo. Se hace muy difícil vivir del arte

Daniel: Falta apoyo de todos lados. Yo me he enfocado en la falta de apoyo entre nosotros, los músicos. Es algo que aquí todavía está vigente, que creo que ya lo han superado en Santa Cruz. Se han organizado muy bien, no importa cuál sea el género de música. Ya tienen un circuito pre-establecido, y por eso también cuesta un tanto entrar al mercado cruceño. En Cochabamba van por ahí. En cambio, aquí todavía nos pisamos el vestido y fingimos ser amigos, pero siempre el que puede sacar mayor ventaja, lo hará. Cada uno rema por su lado, pero si nos unimos, nos institucionalizamos, podemos salir adelante.

Para más datos sobre Electroshock pueden entrar a su página de Facebook

https://www.facebook.com/Electroshocker/

La Logia, el feminismo y los derechos de los artistas

La Logia

Tuve la oportunidad de entrevistar a Pepe (José Alberto Morales), cara, voz principal y armónica de La Logia, gran banda de Sucre con Luis Alfonso Orellana en la batería, Cidar Gutiérrez en la guitarra y Nacho Rocha en el bajo.

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Les va muy bien a dos de los temas recientes con sus videos respectivos de La Logia, “Indio Migrante” y “Pancananita”. ¿Cuáles son las historias e ideas detrás de los dos temas?
“Indio migrante” tiene que ver con la historia que la mayoría de los bolivianos vivimos, porque de una forma u otra somos migrantes del campo, que llegan a las ciudades con la esperanza de una vida mejor, pero creo que es algo común que los migrantes sean rechazados de diversas formas, incluso en sus propios países.

Por otro lado, el “Pancananitas “forma parte de un proyecto hecho con las Feministas callejeras, en realidad es una especie de Sound Track del comic “Los viajes y cantos de Victoria” que ellas realizaron como parte de una campaña de educación sexual, en el comic hay una escena donde aparece una abuela que justamente canta el arrullo quechua pancananitas, pancananitas. Mi abuela también me hacía jugar de esa forma cuando era niño. El resto de la canción habla de cómo construye a las mujeres, anticipadamente culpables tan sólo por ser mujeres.

La Logia se destaca por un gran compromiso socio cultural que no solamente se refleja en su música, sino también en sus presentaciones en vivo y actividades fuera de la banda. En una de las tocadas que vi, había toda una manifestación de las Feministas Callejeras en el escenario. ¿Me cuentas algo sobre las Feministas Callejeras y el apoyo que dan a ellas?
La verdad, el feminismo, a mi modesto entender, es el planteamiento político más importante de la humanidad. Conocer a mi pareja fue como quitarme una venda de los ojos, y descubrir en qué tipo de mundo estaba viviendo y cómo yo en persona estaba actuando.

Carmen Julia, mi pareja, es una de las fundadoras de Las Feministas Callejeras, y es activista. A mí sinceramente me daba miedo al principio incluso marchar, pero realmente cuando entiendes claramente en qué posición están las mujeres en esta sociedad (patriarcal y capitalista), y las ves luchar por sus derechos que uno mismo a veces no respeta por estar construido como macho, no te queda otra que sumarte a la lucha porque también es nuestra lucha.

“Lo común es la falta de incentivos a la producción, falta de medios de difusión que apoyen la producción local.”

Otra actividad que me parece súper interesante, es el Sindicato de Artistas Libres de Chuquisaca. ¿Cuál es la motivación y el propósito de este trabajo?
Te cuento que el Sindicato surgió a partir de una convocatoria que hicimos la revista Agitprop, Las feministas Callejeras y nuestra agrupación musical La Logia, por la necesidad que tenemos los artistas de organizarnos y defender la libertad e independencia del arte, frente a cualquier agente que pretenda instrumentalizarlo.

Una vez formado el Sindicato, se evidenció la necesidad de visibilizar importancia del artista en esta sociedad y reivindicarlo como protagonista de la cultura; pero que a pesar de todo su aporte a nuestra sociedad no cuenta ni con renta de vejez, seguro médico, etc.

Por otro lado, muchos artistas se ven obligados a ejecutar su arte de forma gratuita o con contratos injustos. En resumen, el Sindicato se ha creado para defender los derechos laborales del Artista, y entre esos derechos la necesidad de producir su arte en un ambiente libre e independiente.

La Logia¿Cómo describes la escena musical y artística de Sucre?
Como en todo lugar hay todo tipo de producción musical y artística en general, lo común es la falta de incentivos a la producción, falta de medios de difusión que apoyen la producción local, la etapa de formación en música, por ejemplo, y en el caso específico del rock está en manos de unas cuantas escuelas privadas, pero en su mayor parte son las iglesias las que usan la posibilidad de “aprehender a tocar un instrumento” como anzuelo para los jóvenes, yendo esto, ya en esta etapa de formación, a encasillar y condicionar el accionar de estos futuros músicos.

Otra cosa que no ayuda es la falta de cadenas nacionales de comunicación, supongo que de eso la causa es el centralismo.

¿Cómo funciona el proceso de composición en La Logia?
Generalmente, yo llevo una canción en versión acústica, y luego con la banda vemos qué le hace falta, y al fin, en una especie de consenso, decidimos que está por fin terminada.

El último disco completo salió en 2014, Una Herramienta Llamada Miedo. ¿Hay esperanza de que saquen un disco nuevo pronto? ¿Qué planes tienen para este año?
Justamente uno de los proyectos de la banda es sacar nuestro 7º material para este año. Si conseguimos entrar en abril a estudio podríamos estrenarlo a finales de mayo.

Qué buena noticia! Muchas gracias por la entrevista y para todos los que quieren más información, les dejamos los siguientes links:

https://www.facebook.com/LaLogiaBol/